lunes, 8 de diciembre de 2014

Lágrimas por David Angelini. Su obra conforta su ausencia.

Lágrimas por David Angelini (Buenos Aires 9, octubre, 1943 – Galicia, 14 de septiembre, 2014)

La escultura hay que tocarla, hay que sentir las vibraciones del artista en la obra, la comunicación a través del metal” David Angelini 11-XII-1998

Han pasado tres meses de tiempo desde su fallecimiento y aunque me siento en la obligación moral de hablar de la obra de David Angelini, me cuesta encontrar las palabras adecuadas. Es una familia a la que tengo especial cariño, David y Mila fueron los primeros artistas a los que conocí en Alicante, los primeros a los que entrevisté (estaba también presente Marta, la incondicional pareja de David y enseguida conocí también a la otra hija de esta familia tan unida, Valeria), y la casualidad hace que se publicara más o menos por estas mismas fechas - el 11 de diciembre de 1998 - esa entrevista en La Prensa de la Provincia de Alicante (diario ya desaparecido). El contacto se mantuvo desde entonces y al revisar mis publicaciones para rememorar detalles para este texto compruebo que escribí bastantes veces sobre su obra.

Repaso también los datos biográficos –algunos tan atractivos y sorprendentes como que construyó uno de los primeros coches de Fórmula 3 en Argentina, con el que compitió y más tarde participó como copiloto de rallies del conocidoAntonio Mieres ,también interpretó para teatro y tuvo una de las primeras bandas beat en Argentina-, su extenso curriculum de artista y me doy cuenta de que –a pesar de que estuve en muchos eventos suyos- también me perdí muchos otros. Es casi sorprendente –y decepcionante-, lo que parecemos estar al día de las cosas y, sin embargo, lo complicado que es estar totalmente al corriente de las mismas.



Cuando conocí a David su obra todavía se vinculaba mucho a la decoración, no en vano sus estudios en Argentina fueron en decoración comercial, interiorismo y escultura y en Alicante mantuvo una empresa de esta índole, compaginándola siempre con la escultura. Durante todos estos años de conocernos, se fue soltando cada vez más como artista, renovándose, pero escogiendo siempre el camino de la pieza sólidamente proyectada y planificada y cobrando cada vez mayor importancia sus proyectos de escultura pública. Como artista, educó a sus retoños en su amor por el arte y, lógicamente, una de ellas siguió sus pasos. Creativamente, este es uno de los mayores logros para un creador, dejar influencia. En muchas ocasiones trabajó en equipo con su hija Mila, que tiene su propia carrera artística. Ambos fueron –tal y como yo lo veo- un acicate para el otro. La juventud, ganas de experimentar de Mila se combinaron perfectamente con la experiencia y el buen hacer de David, potenciando ambos talentos. Creo que entre ellos se aportaron infinidad de aspectos positivos. David, que era más estético, fue encontrando cada vez una mayor profundidad emocional y objetivos más conceptuales aguijoneado por Mila. Ésta, más conceptual desde sus inicios, siempre contó con el apoyo incondicional de su padre y su pericia técnica para facilitarle la buena ejecución de sus creaciones. Un camino artístico recorrido por dos seres espiritualmente unidos por el arte. Sin duda, la pérdida del padre, del maestro es un duro golpe. El reto para Mila ahora es seguir trabajando en su propia dirección sabiendo que su padre no le ha soltado su mano, que sigue estando en lo asimilado por ella y que siempre seguirá alentándola desde dónde esté.




La primera exposición que vi de David fue en la Sala del Monte Tossal en conjunto con su hija y para la que les realicé una entrevista. Al comentario de lo interesante que debe ser trabajar dos generaciones juntas, David reflexiona:

Sí, (es muy interesante), pero a la vez muy duro. Tenemos discusiones constantes sobre los que hacemos y Milagros me critica mucho y eso duele, pero a la vez ha sido una revolución para mí. Quizás yo ya tenía una visión demasiado cerrada y ella me ha obligado a replantearme muchas cosas y a conseguir una mayor profundidad… en el aspecto estético también me ha influido, por ejemplo, yo era muy perfeccionista con los acabados y ahora no los acabo tanto, los dejo más naturales… esto también es influencia suya”

Para Mila la primera influencia que recibe en su obra proveniente del padre es el material de trabajo, el hierro:

Sí, claro, aparte que, como te he dicho antes, yo empecé con pintura y fue por mi padre que me inicié en la escultura, aunque había llegado ya un momento en que las dos dimensiones de la pintura me limitaban. Ahora todo lo que pienso lo imagino en tres dimensiones…”

También comenta David su especial relación con los metales y la forja:

“…el hierro siempre me ha atraído, es un material muy especial con unas vibraciones muy particulares. Sobre todo en nuestro caso que no fundimos, sino que hacemos casi todo forja, hay un diálogo muy personal con el material, el acero siempre tienes que doblegarlo y aún así él aporta su propio criterio,… tú haces una curva y el acero se dobla por otro lado, por donde le parece más lógico… y tienes que dejarlo así…”

David fue evolucionando en el tratamiento del color y terminaciones de los metales, si en un principio dotaba una parte o a toda la pieza de color, con el tiempo esto se fue matizando desde la utilización de pátinas naturales obtenidas por la oxidación provocada por el paso del tiempo, a dejar las uniones a la vista, hacia una pieza con un resultado más natural. También fue innovando los materiales, mezclando hierro y madera, el acero cortén, y en los últimos tiempos trabajando el aluminio.

De toda su obra, dos piezas me han quedado bien presentes y ambas tienen que ver con su sentimiento en contra de la guerra y a favor de la paz, las dos son piezas grandes (una bastante más que la otra) y están ubicadas en espacios públicos: N’Altra Volta ubicada en el vestíbulo de la estación de Renfe, sin pedestal, a pie del viajero que transita por la estación de Alicante, habla del dolor humano generado por la guerra, de cómo las armas atraviesan muros, dañan seres y enseres… y la obra que creo que más le define, la más emblemática que representa la paz, Paloma que gira en la Gran Vía alicantina, y es todo un símbolo, una escultura emblemática ya de Alicante, todo un honor para un artista el que una ciudad considere propia una pieza artística y que ésta sea un homenaje constante y en movimiento de la paz. Recuerdo bien su entusiasmo en la inauguración, contagioso para todos. Si la pieza era impresionante, también lo fue la charla sobre su concepto y construcción que nos ofreció para el, por entonces vigente, Círculo de Bellas Artes, donde quedó patente su pericia como proyectista, creador conceptual y ejecutor.



Angelini se vinculó rápidamente a la escena plástica alicantina tras su llegada a España a principios de los ochenta, teniendo gran presencia en la actividad artística desde entonces no sólo en Alicante, sino en el resto de España, especialmente con la escultura pública, con obras como Pluralidad de la que existe una pieza en la Universidad de Alicante y otras tres en la Universidad de las Palmas de Gran Canaria en la Universidad de Zaragoza y en el Palacio de la Zarzuela de Madrid, la ya mencionada N’altra volta RENFE Alicante, Entre dos aguas que preside la entrada principal del puerto de Guardamar; Puente de Carlos III, en Rojales; Libertad, en Castellón, El Ingeniero Mira, en Guardamar, entre otras. No todos los proyectos públicos se hicieron realidad, debo decir que algunos de estos que he conocido a través de su página web - http://www.davidangelini.com/, como Velero, una flexible obra abstracta en el que la fuente en la que se situaría produce el oleaje, ofreciendo un resultado simbiótico de escultura a tiempo real, y en la misma línea de formas redondeadas realizadas con acero inoxidable con líneas y flexibilidad ondulante Mariposa y Paloma, me parecen todo un logro de diseño y buen hacer, por último, en esta línea de proyecto público, en Madre Coraje vuelve a trabajar la flexibilidad de las formas, en esta ocasión con finas líneas en acero cortén y acero inoxidable que parecen dibujarse en el aire con una rotundidad que describe perfectamente el sentimiento contenido en el título de la obra.



David trabajó también la escultura en pequeño formato realizando numerosas exposiciones individuales. Tango y Taurus son de las más recientes y es curioso como ambas tratan sobre dos temas íntimamente relacionados con su vida: Argentina y España y las raíces de la personalidad de sendos países. Estas esculturas en pequeño formato están dotadas de las mismas características de flexibilidad, movimiento y emoción que contienen sus grandes proyectos públicos, pero quizás tienen unos objetivos más personales que las piezas diseñadas para estar en grandes espacios. En las públicas, Angelini busca conectar con el espectador transmitiendo valores característicos del lugar donde se emplazan o valores universales (La Paz, la Libertad…), en lo pequeño se encuentra al Angelini más íntimo, al que le toca la fibra sensible las cosas bonitas de la vida, el movimiento que produce el baile o la música, las líneas que conforman elementos, animales, personas, como las del ancestral e ibérico toro… en definitiva, las características que conformaron su personalidad…

El trabajo de David Angelini lleva un inconfundible sello que permanecerá como persiste en nuestra memoria la eterna sonrisa y la energía positiva de la persona tan entrañable que fue, siempre en constante ebullición.




Este pequeño homenaje a Lola Herrera, premio del Festival de Teatro de Alfaz del Pi , demuestra la capacidad sintética y la fuerza expresiva de Angelini.

©Natalia Molinos, 2014

David Angelini, Premios y distinciones
1994.
Primer Premio de Decoración e Interiorismo de Stands, Universidad de Alicante
1995.
Primer Premio de Decoración e Interiorismo de Stands, Universidad de Alicante
1997.
Segundo Premio de Escultura en el 41º Salón Internacional de Artes Plásticas de Beziers, Francia
Diploma de Honor a la Originalidad y Creativa en el 42º Salón Internacional de Beziers, Francia
1998.
Seleccionado en el concurso de esculturas en la ciudad de Logroño, La Rioja
Seleccionado para la XV Exposición de Artistas Alicantinos, Alicante
2001.
Seleccionado en la convocatoria de escultura pública, Torrevieja
Seleccionado para la Gran Exposición de Arte celebrada en la Casa Batlló, Barcelona
2002.
Segundo certamen de la Paz, Museo de la Paz, Vall d' Uixó, Castellón
2003.
Seleccionado para la Exposición de Artistas Alicantinos por la Diputación Provincial de Alicante
2004.
Seleccionado en la exposición de proyectos del "Concurso Internacional de Ideas y Estudios para con construcción del Monumento a las víctimas de 11 m", Ayuntamiento de Madrid

Bibliografía
ANGELINI, Milagros, "David Angelini", Revista "Diseño de la Ciudad", editada por Carlos Gonzalbo y Asociados, S.L., número 45 de octubre de 2004
Páginas web con artículos e información sobre David Angelini:

http://www.enfocarte.com/5.25/escultura.html
http://www.esculturaurbana.com/paginas/summay08.htm
http://www.davidangelini.com/

jueves, 4 de diciembre de 2014

Contratiempo, una revista en español once años en Chicago


Gerardo Cárdenas - es un escritor mexicano afincado desde hace años en Estados Unidos que acaba de recibir el premio del primer Concurso de Dramaturgia Hispana de Chicago 2014 - organizado por la compañía teatral independiente Aguijón Theater Company, y difundido por el Instituto Cervantes de Chicago, y la revista cultural Contratiempo - con su obra Blind Spot.
Gerardo es, además, Director Editorial de Contratiempo, una revista cultural que desde Chicago hace una tremenda difusión de la cultural hispana y el español. Interesantes artículos culturales, relatos, poesía, fotografía en blanco y negro e ilustraciones, la calidad de la revista no mengua por su atrayente diseño. Una publicación muy interesante, de su último número, http://issuu.com/contratiempo/docs/contratiempo119, dedicada al maltrato infantil. El editorial hace una llamada de atención a los problemas de violencia y mal trato a los que se enfrentan actualmente los niños. Una preocupación por un tema que no cesa a pesar de que se suponga que cada vez estamos "más civilizados". El "dossier", principal núcleo de este número, contiene dos reportajes de Rey Emanuel Andújar y José Buendía sobre este tema que ahondan en aspectos del mismo.

La tarea de la revista de difundir la cultura hispana se desprende de cada una de sus páginas. En particular, me ha encantado el artículo "El Eco de la montaña" de Andrea Ojeda, sobre un documental inspirado en el trabajo artesano-artístico de chaquiras -que para mi eran desconocidas antes de este texto- por Santos Delatorre, al que no se invitó a la inauguración de unos impresionantes murales que fueron regalados por Presidente Zedillo a Jacques Chirac. También me pareció muy interesante el artículo-entrevista de Catalina Maria Johnson a Robin Perkins "El Búho" sobre música electrónica, así como las estupendas ilustraciones en estilos my diferentes -la portada es de Duncan Tonatiuh,y personalmente me han gustado mucho las de Frédéric Glorieux del interior.

Una buena sorpresa que debo el gusto de haberme dado gracias a la recomendación de mi hermana Marina, ya que a pesar de que conocí hace muchos años a Gerardo Cárdenas en Madrid cuando estaba a cargo de Notimex, la agencia de noticias mexicana, no había tenido el placer de leer esta publicación.

De la página web de la revista extraigo su historia

"Fundada en el 2004, Contratiempo es una dinámica y multifacética organización sin fines de lucro que se ha convertido en el epicentro de literatura y cultura hispana en Chicago. La visión de Contratiempo es ser un crisol de ideas y espacio de diálogo que refleje la cultura de los latinos residentes en Chicago y los Estados Unidos, y que potencie su expresión artística.

Nuestra misión es informar y formar, a la vez que se crea conciencia entre los latinos sobre la cultura, la literatura, la política y otros temas relevantes en su diario vivir como inmigrantes en los Estados Unidos, y la llevamos a cabo abordando varios medios que incluyen una casa editorial, eventos culturales, talleres literarios, un premio de narrativa en español, y la publicación que dio origen a la organización, la revistacontratiempo.

En Inglés:
Contratiempo NFP started as a monthly Spanish-language magazine conceived in April 2003 by a group of Latino writers living in Chicago, and it is now a 501(c)3 tax exempt literary and publishing center whose mission is to preserve and highlight the cultural identity and contributions of the Spanish-speaking Latino population of the United States.
Contratiempo fulfills its mission by publishing revista contratiempo, conducting creative writing workshops, promoting Spanish-language literature written in Chicago through its Ediciones Vocesueltas imprint, and working collaboratively with other educational, literary and cultural organizations to present events relative to this mission.

Natalia Molinos



https://issuu.com/contratiempo/docs/contratiempo119/1?e=0

lunes, 1 de diciembre de 2014

Duchamp, lo útil y lo bello, lo desconcertante

Marcel Duchamp. La peinture, même. Exposición en el Centro Pompidou de París, 24. septiembre, 2014 – 5, enero. 2015 de 11h00 a 21h00 Galerie 2 - Centre Pompidou, Paris

Visitar esta exposición de Marcel Duchamp en el Pompidou es darse cuenta de la influencia que ha producido en el arte contemporáneo tanto su obra como su figura.


El arte de Duchamp resulta todavía hermético incluso para los que nos dedicamos a este campo. La fascinante incompresión del porqué de su obra se desvela en parte en el magnífico montaje que se ha realizado en París. Desde sus inicios impresionistas, pasando por el simbolismo, los nabis, los cubistas, dadás… a todas las vanguardias, Duchamp se nos aparece como un aventajado alumno que del provecho logrado adelanta en siglos al resto de sus contemporáneos. El gran salto lo produce su posición respecto al objeto artístico. Sin duda, consecuencia del dadaísmo, Duchamp da una vuelta de tuerca cuando presenta un urinario a un concurso, un objeto realizado en cadena en una fábrica, no realizado por un artista, simplemente observado desde otro punto de vista, su punto de vista, el de un artista – le da la vuelta y ¡ya está!.- ¡Fuente! Toda una escultura… toda una filosofía. ¿es qué no hay diseño en el objeto? ¿es que un objeto cotidiano no es bello aunque también sea práctico? ¿es que arte sólo es lo inútil, lo que sólo sirve para decorar? Duchamp hizo reflexionar hace ochenta años al público y los entendidos, como la mayoría de los artistas actuales hacen hoy en día con su obra.

El humor, la crítica,… el concepto son inherentes a la obra de Duchamp, también la síntesis de la historia del arte… En esta exposición podemos ver de cerca muchas de sus obras emblemáticas: E. A. L Q. C , la postal caricaturizada de la Gioconda, el Desnudo bajando las escaleras, que le costó disgustos con los cubistas y también con otros artistas de su generación , sus Ready-mades, su “Gran Vidrio” o “La Mariée mise à nu par ses célibataires, même”, –impresionante ver esta réplica autorizada por el artista, ya que el original debido a su fragilidad no puede salir del Museo de Philadelphia donde se ubica- su relación con la música –escrita también por el propio Duchamp-, y su última obra revelada póstumamente >“Étant donnés 1° la chute d’eau 2° le gaz d’éclairage…” una pieza en la que estuvo trabajando de manera secreta durante más de veinte años (1946-66), mientras se pensaba que ya no se dedicaba al arte –sólo al ajedrez donde fue todo un maestro- y que no fue pública hasta la muerte del autor.

Aparte de la gran selección de piezas del artista, el valor de la exposición reside en su esfuerzo por contemporarizar las distintas etapas del artista con su época, obras de sus hermanos Duchamp-Villon , de los nabis y simbolistas como Odilon Redon, –que aportaron a su arte de un ángulo de percepción diferente tanto conceptual como de forma- de sus amigos Picabia, Man Ray, no sólo artistas plásticos, sino fotógrafos, cineastas, escritores… , apareciéndonos un artista mucho más coherente con su entorno de lo que uno puede llegar a pensar. La muestra reúne desde lecturas habituales por los intelectuales de la época, las suyas propias, ya que la literatura fue una inspiración importante para su obra, desde Mallarmé al poeta simbolista Jules Laforgue, imprescindible para la concepción del “Gran Vidrio”, a las primeras muestras de cine erótico-pornográfico- voyeurista que no sólo causaron impacto en Duchamp sino en su generación y seguramente fue el germen de su última obra tan enigmática como desasosegante: Étant donnés…

Una exposición para ver y rever.

©Natalia Molinos



miércoles, 26 de noviembre de 2014

Jueves 27 a las 21:00 charla del artista Ginés Vicente en el Freaks Arts Bar

El autor de la actual exposición "Anarcorganismos" en el Freaks Arts Bar- Benalúa (C/Alona, 8) explicará la presente muestra, su inspiración en la Ciencia Ficción -devoto lector desde niño- y su precisa técnica.

martes, 25 de noviembre de 2014

Entre el desencanto de la cotidianeidad y la retención del instante mágico infantil. Arte actual alicantino, la generación de la globalización

En estos días y hasta el 10 de enero se celebra en el Museo de la Universidad de Alicante -MUA- una excelente exposición de arte contemporáneo alicantino actual, Dès de Dins, comisariada por Bernabé Gómez, se trata de una selección de artistas que trabajan o son de Alicante, escogidos en una generación con una diferencia entre ellos de menos de veinte años. Gómez me encargó el texto crítico de esta muestra para el catálogo, un tomo muy completo, con introducción explicatoria del propio Bernabé Gómez, dos entrevistas a las Galerías Parking y Aural y un espacio para cada artista (diecinueve en total, más una obra original numerada de otro artista -Vik Autofocus- que se da junto al catálogo al adquirir éste. Un concierto de música electrónica contemporánea y un coloquio (19-XII) complementan la exhibición.

El texto pretende sintetizar las características de la generación que se presenta en esta muestra, la primera de la era de la globalización.


Entre el desencanto de la cotidianeidad y la retención del instante mágico infantil. Arte actual alicantino, la generación de la globalización

“Los artistas, bajo cualquier latitud, tienen hoy como tarea imaginar lo que podría ser la primera cultura verdaderamente mundial”.
Nicolas Bourriad



Es difícil juzgar a un artista por una pieza o incluso por una sola exposición. Lo que vemos en un momento dado no es más que un instante en la producción vital de un creador. Hay que evaluar la trayectoria completa, éxitos y fracasos incluidos –que no son, a veces, más que los balbuceantes pasos de posteriores logros- , para comprender realmente su línea de trabajo. Valorar el trabajo de un conjunto concreto de artistas, como la que esta ocasión representa, encontrar su significado como grupo y como generación localizada en nuestro ámbito geográfico es, tal vez una osadía, pero un interesante acercamiento a una realidad plástica que nos rodea.

Diecinueve son los artistas elegidos en esta muestra: Milagros Angelini, Rosana Antolí, Aurelio Ayela, Rosalía Banet, Pablo Bellot, Cristina de Middel, Olga Diego, Cristina Ferrández, Juan Fuster, Ferrán Gisbert Carbonell, Susana Guerrero, Kribi Heral, Eduardo Infante, Mónica Jover Calvo, Edgar Mendoza, Javi Moreno, Juan Carlos Nadal, Luisa Pastor Mirambell y Jesús Rivera. Nacidos entre 1966, el mayor, y 1982, el más joven. Unos, naturales de la terreta pero que actualmente viven lejos, otros que viajaron pero se radicaron finalmente aquí, otros más son alicantinos de adopción, extrapolación lógica en el arte de lo que ocurre a nivel social.

¿Qué rasgos tienen en común como grupo?, ¿cuáles podemos estimar como específicos del arte que se realiza en Alicante?, ¿cuáles están en consonancia con el arte que se hace en el resto del planeta? Es esta una primera generación alicantina dentro del gran fenómeno mundial de la globalización y la cibercultura, inmersa en el hipercapitalismo, la hipertecnología, el hiperindividualismo y el hiperconsumo - que da al artista una gran libertad creativa pero que también supedita su subsistencia a las tendencias del mercado.

La gran facilidad actual para estar informado en lo que ocurre en cualquier parte –siempre que se esté conectado tecnológicamente- permite en un click virtual visitar aquello que consideramos interesante, curioso, trendy… el mundo se ha vuelto pequeño a base de pantallazos … es imposible permanecer ajeno a las influencias que parten desde las redes sociales o los medios de comunicación, especialmente los provenientes del mundo anglosajón y, de una forma más amplia, del occidental. Rosana Antolí y Cristina de Middel, residen actualmente en Gran Bretaña, Juan Fuster se formó en Estados Unidos, Edgar Mendoza es originario de México, Milagros Angelini, aunque desde muy joven en Alicante, procede de Argentina. Casi todos los demás artistas de esta selección han pasado por una experiencia exterior, generalmente a través de becas o premios, que inevitablemente les ha hecho –para bien y para mal- acercarse más a otras culturas y plásticas… y han regresado después a sus raíces, incorporando lo “otro” a su quehacer artístico. Se trata de una generación que posee una mirada multicultural en lógica respuesta a un mundo globalizado.



Otro rasgo que une a este grupo es su acceso a estudios superiores o escuelas técnicas especializadas, producto de la mejora económica y social con respecto a generaciones anteriores. Objetivamente, es muy complicado llegar a exponer en los sancta santorum del arte si no se ha realizado cierta trayectoria académica y expositiva… Son artistas supercualificados, muy formados intelectualmente, prácticamente todos en facultades de BBAA o Escuelas Técnicas, incluso con masters o doctorados, en momentos además en que se ha reforzado mucho el marco conceptual teórico dentro de la enseñanza artística: tres de nuestras artistas son doctoras y otra más está en camino de serlo, otros tres tienen estudios de posgrado o masters.., incluso algunos son profesores universitarios, y, por supuesto, todos continúan nutriéndose de la literatura, el cine, la filosofía, la ciencia… así como estando al día de las novedades de su “carrera ”.

En general, esta gran preparación les habilita para explicar su obra perfectamente de forma pública ya sea oralmente o por escrito. Se manejan con soltura ante los medios de comunicación –como buenos hijos de su tiempo- o en la privacidad del contacto personal, pero prefieren que sea su obra la directa interlocutora con el público. Y aquí es donde surge otra de las características de esta generación, la doble lectura que contienen sus obras, la directa, la impresión que su pieza produce a golpe de vista, que puede parecer en ocasiones superficial, demasiado emocional o revisionista y recurrente, y la lectura más recóndita, escondida en el concepto interno de la obra, al que no todo espectador alcanza llegar. El arte va por delante, siente los cambios de la sociedad, de la cultura, del pensamiento, pero en su forma de manifestarse se anticipa a la sensibilidad estética necesaria para ser comprendido. El artista, a la manera de un aventurero explorador, abre el camino para nuevas líneas de pensamiento y no siempre podemos seguirle el paso ni ver con claridad el panorama que nos ofrece.

Algo que llama enseguida la atención es que pocos de los artistas actuales, de los que esta muestra es claro ejemplo, se pueden etiquetar de forma exclusiva bajo los viejos parámetros de las disciplinas artísticas. Pocos se limitan sólo a “pintar” o “esculpir”. La realidad hoy en día es que el artista – y por eso el uso del vocablo es más pertinente ahora que en ningún otro momento histórico- es un compendio de saberes adquiridos casi siempre de forma académica, en los que las áreas clásicas están incluidas, y de las nuevas formas de expresión que conviven con nosotros (algo de lo que también Universidades y Escuelas se han ido haciendo eco poco a poco). Es inevitable que un autor tienda a trabajar en múltiples formatos o medios, y no en única disciplina inamovible, ya que se encuentra inmerso en un universo multimedia en el que vive y se desenvuelve. El arte es el reflejo de su tiempo y el artista el artífice del lenguaje adecuado a cada momento concreto. Por eso nos hallamos en este grupo que nos ocupa con una gran mayoría de creadores multidisciplinares, que intentan huir de constreñidas etiquetas y servilismos estilísticos y optan por la forma plástica más conveniente según el objetivo que se marcan en cada paso de su trayectoria.

Es una generación que necesita sentirse libre para crear pero que se sorprende cuando el público no dialoga con su obra y se siente desconcertado ante ella. Todos estos artistas piden al espectador un tiempo para contemplar su creación, para llegar a entenderla, pero el público de hoy es el mismo que tarda segundos en cambiar de canal con el mando, el dial, o darle al ratón del ordenador si lo que está delante de él no consigue mantener su atención. Porque el reto actual ya no es atraer la atención, es conservarla. En un mundo en el que nos facilitan la información –nos la digieren - y nos la muestran para aún mayor claridad acompañada de imágenes –a la manera de las instructivas aucas medievales para una sociedad analfabeta- sostener la mirada del otro se convierte en una prueba de interés, casi, de amor. En el caos de imágenes que nos invade en la rutina diaria, nuestros artistas tienen que atraparnos en una primera impresión y después conseguir que observemos más atentamente. No siempre lo que percibimos en el primer golpe de vista es todo lo que hay en una pieza; el autor espera más de nosotros, nos hace “trabajar” en su obra. Porque el arte actual es un arte exigente y arcano, que nos obliga a recorrer un camino para llegar a la comprensión, a “educarnos” para entender, a preguntarnos el significado interno, pero también quiere que sintamos el latido emocional de la creación cuando ésta así lo requiere.

El entorno en el que una pieza artística se forja cambia desde el momento en que está es finalizada y va adquiriendo poco a poco otro significado desde que se expone a la vista del observador, reconcibiéndola éste de nuevo. El proceso creativo no acaba con el objeto terminado, sino que continúa en la mente, imaginación, del propio espectador que saca conclusiones, sensaciones, etc. La obra no es sólo del artista, es también del espectador. Si el ambiente en el que se ha creado una obra se transforma, el espectador puede perder la idiosincrasia de ésta.

El público actual –siempre refiriéndome al general- tiene ganas de conocer más de cerca artistas y arte y si se le da la oportunidad la aprovecha. Necesita comprender ese arte por el que siente repulsa y atracción a la vez. Los artistas actuales parecen con sus obras motivar al espectador a encontrar su propia respuesta. Lo complicado es la gran cantidad de creadores existentes, cada uno con sus propios planteamientos, disciplinas, estilos…, el arte se manifiesta en consonancia a la sociedad individualista que representa. En una sociedad occidental capitalista, muy aburguesada, con un nivel de vida bastante alto, una gran cantidad de creadores surge continuamente difundiéndose rápida y fácilmente por nuestras redes de comunicación, resultando enmarañado para el espectador decidir a quien seguir.

En este complejo panorama, los artistas alicantinos buscan encontrar su lugar. En un mundo cada vez más homogeneizado, deben hallar lo que les diferencia del resto, y esto comienza con el autoconocimiento personal. Así, encontramos en este grupo de creadores una preocupación por la identidad que cada uno manifiesta de una manera. Se trata de su propia visión interna como creador, su ansiedad ante el hecho creativo, el propio concepto de arte y por su función como de artista, sus miedos, sus metas, pero también son las del individuo, comenzando por la búsqueda del yo personal, hasta la preocupación por el devenir del ser humano actual.

La identidad a través del género es algo en lo que trabajan o han trabajado varios artistas presentes en esta muestra, ya sea el de la mujer, como reivindicación y denuncia de situaciones negativas, la homosexualidad, el transgénero, la cuestionabilidad de los roles tradicionales, los patrones que construyen la identidad social, obviamente también el tema del sexo puro y duro o como expresión de amor espiritual forma parte de esta identidad. Cada artista ofrece su planteamiento desde diferentes aproximaciones que van desde los más dramáticos hasta los que nos sorprenden por su dulzura o por su ironía. El tema del género no se trata siempre de forma monográfica, puede ir perfectamente ligado a otros, como el impacto de las redes sociales en conductas y comportamientos, que también conecta con una preocupación que parecen tener varios de los artistas de esta selección, la actuación que el ser humano tiene respecto de temas como la ciencia, la naturaleza, la tecnología,…

En la actualidad la raíz del artista sigue siendo su tierra, pero las referencias ya no son tan locales. Las pantallas de cine, televisión, ordenador, teléfono móvil, tablets han ampliado su entorno diario. Nos sentamos durante horas frente a ellas, convirtiendo la realidad virtual en tangible e inspiradora de ideas –positivas y negativas- y dejándonos influir por ellas. El impacto mediático del cine, del video… en definitiva, de las pantallas, se deja relucir continuamente y su contenido sirve de temática para los creadores. Así surgen asuntos que podríamos llamar postpop ya que provienen de una cultura popular que ya es universal, muy influenciada por la norteamericana, y que contienen ironía o mucho sentido del humor como son las de los superhéroes, los monstruos, los mitos cinematográficos, los cómics, la ciencia ficción,… En muchos de estos artistas observamos un aspecto lúdico que creo es inherente también a esta generación con mucho de Peter Pan, ya sea en el tipo de objeto artístico realizado o en el proceso y concepto del mismo. Rebelión ante el hecho inevitable de madurar, una generación que aprehende su niño interior para seguir fascinándose con el entorno, para continuar creando con la misma pasión e intensidad del niño, con la fe de poder cambiar el mundo a base de arte.

Existe en este grupo artistas que reivindican, que denuncian, cuya obra tiene un contenido sobrio y serio y que se manifiesta de forma constante en su trayectoria o en un proyecto concreto, como los artistas preocupados por los espacios naturales y su relación con el ser humano, o los que denuncian situaciones o temáticas sociales cuya gravedad no se nos escapa. Pero el artista lo es al cien por cien, su vida entera está en relación a su producción, en el vaivén diario donde todos tenemos momentos más relajados en los que es posible que se produzcan obras con sentido del humor, gestuales, o simplemente espontáneas, pero igual de válidas. En otras, el sentido del humor, la ironía, una apariencia de banalidad o de belleza dulce e inocente esconde toda una crítica a un sistema de vida, y saca a relucir las emociones más oscuras del alma humana, o subrayan la debilidad de la información a la que estamos expuestos y la posibilidad de manipulación y el engaño que se facilita desde las redes. Humor y seriedad son dos aspectos de la vida, y como en esta, es lógico que así se manifiesten en la plástica actual.

En casi todos ellos, la referencia específica a lo local es prácticamente inexistente. Los temas que producen son totalmente extrapolables a cualquier región del planeta: la identidad sexual, la cultura popular, el medioambiente, los mitos, la identidad personal o como artista, el amor, la ciencia, la tecnología, la fuerza de la naturaleza,… son temas eternos, ajenos a un punto geográfico concreto, preguntas universales del ser humano. Cuando la referencia local aparece es de forma sutil, como en los materiales utilizados o en la manera de producir las piezas, pero no afecta al resultado final de estas, que pueden ser entendidas en cualquier parte del planeta.

Encontramos en estos artistas la necesidad de reflexionar constantemente ante el mundo que se ofrece a su observadora mirada, a pesar de que a veces la forma en que se plasma parezca irracional, emotiva o espontánea. En algunos de ellos podemos ver desazón o desencanto hacia la sociedad actual, incluso hacia el futuro y, sin embargo, esta decepción parece generarse más bien por la pérdida de la inocencia infantil, cuando creer en la magia posibilitaba mundos ilimitados y hacer arte era algo natural. Muchos de ellos intentan aprehender al niño interior, el auténtico artista, el que no se dejaba manipular por conceptos creados por otros ni realidades limitadoras.

La observación del entorno es inherente al creador, valora lo que nos caracteriza como sociedad –capitalista- en la que nos alejamos de nuestro origen natural cada vez más y olvidamos cuidar sosteniblemente el planeta convirtiéndonos en un animal -.racional aparentemente- destructor, como característica más evidente, que se olvida rápidamente de errores y abandona personas, cosas y lugares dejando la huella de su paso devastador para conquistar con bríos nuevos en otro sitio. Esa pulsión por crear algo nuevo, más moderno, “mejor”, olvidando muchas veces las ventajas de la sabiduría de la experiencia, parece que encerrase sutilmente el sueño de la eterna juventud en pos de querer estar siempre a hilo de la modernidad. Algunos artistas reaccionan con preocupación ante estos signos, nos alertan, otros simplemente lo plasman.

Tenemos un arte ecléctico, heredado de momentos anteriores y fruto de la sociedad en la que vivimos. Es el arte de nuestro tiempo, un tiempo cambiante en el que estamos sufriendo una gran evolución hacia otra forma de civilización. Los cambios sociales, políticos, culturales, éticos, han sido y están siendo tan grandes y rápidos que nos sentimos hacia la deriva en muchas ocasiones. Una situación similar debieron percibir durante los siglos de la caída de Roma, hasta la llegada a una nueva forma de existencia –bastante más oscura en algunas áreas- como fue la Edad Media. Los artistas alicantinos reciben este impacto social y cultural y su arte no puede abstraerse de ello porque está completamente interrelacionado, pero sí pueden reaccionar en contra o manifestar sus sentimientos. Hay mucho arte crítico, una base conceptual muy fuerte, pero también sentido del humor. Muchas veces la ironía y el humor son el suave medio para despertar tanto conciencias como sensibilidades estéticas. Otras veces es el uso de una mayor violencia plástica la que consigue mover al espectador, otras, el uso de medios más sofisticados y tecnológicos, o mediante acciones directas con el público. El arte de los artistas alicantinos se incluye dentro de este ambiente de sociedad en transformación y se mueve en consonancia con las tendencias generales. Sus preocupaciones son las mismas que los artistas de otras latitudes y prima en cada uno de ellos lograr su propio camino personal, su propia verdad.

Los artistas alicantinos se ubican geográficamente en la periferia de los mercados determinantes del arte, pero poseen la misma calidad y potencialidad creativa que puedan tener los localizados en los puntos estratégicos del arte actual. Para los alicantinos es complicado triunfar desde su emplazamiento local, que les sirve como plataforma o como base de de trabajo pero deben estar en constante movimiento para que su obra alcance importancia a nivel global, como así lo han hecho ya muchos de ellos.

Los autores seleccionados en esta muestra representan el arte local y provincial, pero sobre todo, el arte de su tiempo que engloba no sólo una nación, sino una época. Los diecinueve artistas de esta exposición son el reflejo de un mundo globalizado, en el que a pesar de tender cada vez más a patrones de homogeneización, localmente/individualmente se lucha por conservar lo que hace diferente. Esta generación es la del artista radicante de Bourriaud que no olvida sus raíces, pero para el que lo que verdaderamente importante es hacia dónde se dirige; crear en permanente movimiento, asumiendo los cambios que produce el entorno globalizado y el choque con lo singular identitario.

Sin intentar demostrar nada, esta generación plástica ya desengañada resignadamente por históricas pruebas anteriores, no busca la combatividad en las calles, la lucha abierta, busca la rebelión del pensamiento, el cambio de la estructura mental y de su patrón estético a través de la penetración arcana del espectador en el interior de su obra mediante estrategias diversas que van desde la ironía y el sentido del humor, al romanticismo, el lirismo de imágenes e ideas, la confrontación directa con el espectador, la emoción y violencia del gesto o el impacto mediante el uso de nuevas tecnologías.



Natalia Molinos Navarro



Fotos: Pablo Bellod, Olga Diego,Cristina de Middel, Eduardo Infante,Cristina Ferrández,
Javi Moreno, Mónica Jover, Edgar Mendoza, Kribi Heral, Juan Carlos Nadal, Jesús Rivera, Luisa Pastor Mirambell,Ferrán Gisbert, Rosana Antolí, Aurelio Ayela, Milagros Angelini, Rosalía Banet, Juan Fuster

catálogo en red http://www.mua.ua.es/pagina.php?opc=5&lang=3&id=182

viernes, 21 de noviembre de 2014

Invasión de Anarcorganismos en la Freaks Arts Gallery de Alicante

Anarcorganismos, los mundos imaginarios de Ginés Vicente en el Freaks
Del 8 de noviembre de 2014 al 6 de enero de 2015

“Buscando una ballena, arriesgándose a
ser sepultado por los enormes meteoros
que se desplazan continuamente por este
mar cósmico entretejido con naves
hortícolas y astros mecánicos, despacito,
entre la lluvia de puntos imaginarios, el
viajero va llegando a su inevitable
destino.”


Una pequeña nave con apariencia de submarino se sumerge en el denso mundo de formas flotantes, mitad orgánicas mitad mecánicas, que Ginés Vicente plasma con magistral pincelada en sus cuadros y esculturas.



De una mirada nos transporta a otras dimensiones, otros universos, al espacio exterior… Sin duda, la ciencia ficción está presente en estas obras y en sus títulos –como el propio título de la muestra Anarcorganismos-, pero también la herencia histórica de la pintura. El horror vacui de estas imágenes conecta con estéticas pretéritas, personalidades como El Bosco unidas increíblemente con el estoicismo del bodegón barroco español, el cientifismo del puntillismo, la impresión de vacío de la pintura metafísica, o la imaginación desbordante del surrealismo, de los dibujos utópicos de arquitectos de lo imposible y dibujantes como Escher. En estas series de pinturas y dibujos en los que destacan las tonalidades en contrastes y degradaciones del blanco y negro, nos tenemos que fijar en las formas, la composición, la pincelada. En la cercanía, la vista nos desvela que las pinturas están realizadas a base de múltiples manchitas de color basadas a veces en tonalidades más cálidas y otras más frías, que el ojo a una distancia prudencial mezcla hasta sintetizar en tonalidades grisáceas, en ocasiones casi plateadas y en otras más opacas. Los sombreados y la estudiada composición interna de las piezas consiguen efectos tridimensionales y ópticos que aportan un gran dinamismo a cada pintura o dibujo. Los títulos evocan mundos futuros, hay Robots, Sistemas que evocan a universos completos, Anarcorganismos –unas plantas mitad vegetal mitad mecánicas que tienen mucho en común con anteriores etapas de Vicente, como su pintura de bodegones metafísicos, o los propios “Bodegones” que tienen fusionadas en ellos estas mismas características.

Las esculturas presentadas en la muestra, trabajadas en distintos tipos de maderas, son polícromas y poliformes, y continúan basándose en la misma temática, son organismos que parecen vivos y en movimiento, en común con las superficies bidimensionales del artista. En esta muestra, el contraste del colorido de las esculturas con los monocromáticos cuadros –pero pluritonales- y dibujos funciona a la perfección y ayuda a dar vivacidad en el ejercicio contemplativo del espectador.

Todas las formas creadas por este autor parecen moverse lentamente en un continúo flotar como si estuvieran suspendidas en una transparente pero pesada atmósfera y cuanto más las observamos más parecen desplazarse de arriba abajo o incluso salirse de los límites matéricos del soporte que las contienen.

Los Anarcorganismos de Ginés Vicente son el ambiente perfecto para inaugurar la Freaks Gallery, un nuevo espacio de arte en el Freaks Arts Bar de Alicante,- ahora en el barrio de Benalúa,en la calle Alona, 8, a una calle del Teatro Arniches - que sigue manteniendo el proyecto curatorial “Al descubierto”, para dar a conocer artistas emergentes, que no se encuentran en los circuitos tradicionales o aspectos nuevos de artistas ya conocidos.

Ginés Vicente es un artista radicado en Murcia que ha realizado exposiciones individuales por gran parte del territorio nacional y en el extranjero, habiendo participado en Ferias tan importantes como Arco o Estampa, Feria de Berlín o la Art DC. en Washington. Entre las instituciones que guardan obra suya podemos encontrar al Ayuntamiento de Murcia, CajaMurcia, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Florida Museum of Spanish and Latin American Art Miami. (USA), la Universidad de Murcia, la Biblioteca Nacional o el Museo del Grabado de Marbella.

Natalia Molinos
Responsable “Al Descubierto” en el Freaks Arts Bar-Freaks Benalúa
Vocal AVCA –Asociación Valenciana de Críticos de Arte