jueves, 14 de noviembre de 2013

Reflexiones ilustradas sobre el laberinto interior




El propósito del laberinto es confundir al que entra en él. Al adentrarnos, perdemos la noción de ubicarnos, de movernos, corriendo el riesgo de quedarnos atrapados para siempre en su interior. Una analogía perfecta de lo que significa nuestro paso por la vida, nuestra actitud ante ella, de nuestra soledad existencial al enfrentarnos a cada nueva situación que se nos ofrece.

Carlos Michel Fuentes nos ofrece esta visión en “Laberintos” una serie de ilustraciones realizada especialmente para esta exposición en el Freaks Arts Bar. Son imágenes en blanco y negro con leve colorido en algún detalle del personaje protagonista -casi siempre un hombre sospechosamente parecido al propio autor- en una parábola de la incomprensión que el entorno produce en nosotros mismos, pero que también es el reflejo de nuestro propio laberinto interno. Porque la simbología del laberinto ha estado ligada desde siempre a los avatares del recorrido espiritual por el que todos debemos pasar hasta alcanzar la meta: conseguir conocernos a nosotros mismos y lograr el equilibrio entre nuestro interior y el exterior.

Los “Laberintos” de Carlos Michel Fuentes presentan sólidas formas rectas y angulares. Un “caos” ordenado, construido no azaroso. En ellos no encontramos curvaturas ni círculos. Son tipo “mazes”, dédalos que ofrecen varias alternativas a seguir y no una sola, en donde el personaje se puede encontrar en un callejón sin salida y no saber hacia donde dirigirse -¡y cuántas veces no nos ha pasado esto en nuestra vida! Cuántas veces no hemos deseado romper con todo, elegir el camino más corto, dejarnos de rodeos,… El personaje se enfrenta, toma una decisión, actúa o, contrariamente, muestra una actitud parsimoniosa y distante. El lenguaje sin palabras de Fuentes invita a la reflexión introspectiva, siempre mostrando un humor inteligente –enlazando con toda una estirpe de insignes maestros de la ilustración como El Roto, especialmente en su época como OPS-, casi sardónico, pero que también ofrece momentos más tiernos e inocentes, que ayudan a relajar la intensidad emocional provocada por la impresión de estos “Laberintos”.

Otra cuestión sumamente interesante es el tema de la ubicación temporal y espacial de laberinto y su personaje, porque estos espacios no suelen verse completos, sino sólo de forma parcial, por lo que ignoramos dónde comienzan tanto el propio laberinto como el recorrido del personaje y dónde finalizan ambos, encontrándonos casos en el que incluso un laberinto se encierra dentro de otro mayor, … Todas las posibilidades que encierran estos laberintos nos hablan de la habilidad como ilustrador de Fuentes para comunicarnos ideas profundamente sentidas y meditadas. Su virtud reside en el lema de todo ilustrador: narrar una historia sin necesidad de palabras. Los títulos sugieren, evocan, pero es el dibujo el que nos habla. No es de extrañar que este artista se haya convertido en autor de textos inspirado por sus propias imágenes. El dibujo nace del impulso emocional. La racionalización lleva al texto, a profundizar en un pensamiento o incluso recrearlo de otra forma, porque no somos la misma persona en cada momento de la vida, porque el espectador va sucediéndose e interpretando subjetivamente en cada ocasión.

Y es que, con un dibujo sencillo –demostrando un excelente dominio de técnicas artísticas y recursos informáticos- en el que se despoja de ornamentos innecesarios, Fuentes construye visiones contundentes con conceptos evidentes, imposibles de no ser captados por el espectador en un juego quimérico e infinito en el que éste va quedando atrapado mientras observa, comprobando a su vez que también en su alma alberga todo un terrible e intrincado laberinto.

Carlos Michel Fuentes es un creador polifacético, artista y escritor. Se licenció en Pintura por la Academia de San Alejandro de la Habana en 1987 y desde entonces ha desarrollado su profesión tanto como ilustrador y diseñador gráfico, como de pintor de murales y especialista en acabados decorativos, habiendo trabajado como set designer para cine y teatro en Estados Unidos.

"Laberintos" de Carlos Michel Fuentes se engloba dentro del proyecto expositivo “Al descubierto” del Freaks Arts Bar que pretende descubrir tanto a jóvenes talentos, como artistas con interesante trayectoria pero poco conocidos por el público alicantino, así como facetas desconocidas de artistas ya consolidados.

Natalia Molinos
Historiadora, Crítica de arte. Vocal de AVCA y Responsable de Exposiciones en Freaks Arts Bar


miércoles, 6 de noviembre de 2013

Charla con el artista Michel Herrera

https://www.facebook.com/events/1429571910603756/

jueves 6 de noviembre, a las 20 horas, en el Freaks Arts bar, Encuentro con el artista Michel Herrera.

Explicará sus pinturas "Más allá de lo que vemos", una muestra que finaliza el domingo 10 de noviembre.
Video: Michel herrera en el Freaks Arts Bar

miércoles, 9 de octubre de 2013

MICHEL HERRERA, AGRANDANDO LO MINÚSCULO CON “MÁS ALLÁ DE LO QUE VEMOS” EN “AL DESCUBIERTO” DEL FREAKS ARTS BAR



Ver lo pequeño, lo insignificante… aparentemente, porque son estas pequeñas partículas las que acaban conformando la identidad de todos los seres vivos y hasta los inorgánicos. No se ven a simple vista, pero están. Para contemplarlas debemos usar instrumentos científicos de precisión. Y algo tan pequeño se hace grande en la pintura de Michel Herrera. Con su pincel nos acerca en “Más allá de lo que vemos” a los mundos de lo diminuto traspasados a una escala gigantesca que nos evita la necesidad de cualquier lente de aumento, transmitiéndonos toda la belleza de estos organismos que parecen paisajes abstractos. Referencias a lo lejano, a lo astral, a lo onírico, y sin embargo se trata de porciones de nosotros mismos –como entes genéricos- invisibles a nuestro ojo, imperceptibles en nuestro continuo devenir existencial.


Esta es la razón de que existan los artistas. Los artistas observan el universo, el mundo, y lo interpretan desde su propia visión. Michel Herrera nos hace detenernos un momento para contemplar lo más pequeño –lo que no se ve a simple vista- a un tamaño que nos impresiona, logrando su objetivo: un instante de reflexión que nos conduce a ver la belleza escondida incluso en lo recóndito de todos los seres. Es la poesía de la pintura. Con una técnica impecable al óleo producto de su propia investigación personal consigue colores y matices que aportan a la obra un brillo especial y una atmósfera de irrealidad que favorece la ubicuidad intemporal de sus organismos: ¿están en el espacio? ¿son paisajes? ¿sueños? ¿ambientes de ciencia ficción? Preguntas en el aire. Las respuestas pasan por la apreciación personal de cada uno. La ciencia y la imaginación van de la mano en estas obras, desde su concepción técnica a la artística y así lo han de tomar los espectadores.

Michel Herrera Cuello (1974) se formó como arquitecto en Cuba, siendo desde muy joven su pasión la pintura que ha ido desarrollando paralelamente a su carrera técnica en un proceso autodidacta. Ha realizado exposiciones de su obra (pintura, dibujo y fotografía) en Cuba y en España, los últimos años sobre todo en Alicante donde reside en la actualidad.


“Al descubierto” es el proyecto de exposiciones del Freaks Arts Bar, que pretende sacar a la luz pública tanto a jóvenes promesas, como artistas que trabajan fuera de los circuitos habituales, o facetas desconocidas de estos creadores.

Natalia Molinos Navarro
Responsable de “Al descubierto” del Freaks Arts Bar y
Vocal de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte (AVCA)

La exposición de Michel Herrera se puede ver desde el 10 de octubre al 10 de noviembre, en el Freaks Arts Bar, C/Carmen, 9 Alicante


miércoles, 25 de septiembre de 2013

Sólo unos días más para poder visitar la exposición de Aurelio Ayela en Traza




El próximo 30 de septiembre finaliza la exposición de Aurelio Ayela que dentro del proyecto curatorial "In Fraganti" se está llevando a cabo en la empresa de diseño de interiores y construcción Traza de Alicante. Esta iniciativa pretende demostrar la seriedad de la trayectoria de los artistas pillándolos "in fraganti" en uno o varios de sus periodos creativos, dando confianza de esta manera a los coleccionistas a la hora de decidirse en la adquisición de obras. El espacio expositivo no es un neutro, sino de trabajo -eso sí, con un diseño muy cuidado tanto de arquitectura como de mobiliario- que no sólo conjunta perfectamente con la obra, sino que ayuda al espectador a imaginarla en su propio entorno laboral o personal.


Ayela es un artista muy conocido y valorado en su terreta natal pero que también tiene una experiencia más que interesante a nivel nacional, donde ha expuesto en galería de Madrid, Valencia, Mallorca, Barcelona y un largo etcétera, tanto a nivel individual como dentro de propuestas colectivas (como la Bienal del Deporte en 2007 o su presencia en la Feria Internacional ARCO, en el mismo año). Sin dejar de lado el importante mercado internacional, habiendo participado recientemente en una muestra en Nueva York y siendo seleccionado por la Asociación Verfhond en 2010 para A Thousand Living Painters (1000 pintores vivos´)tras un estudio bianual de los pintores más interesantes a nivel mundial con criterios puramente artísticos al margen de cuestiones de mercado y cotización.


Además, en 2006 fue ganador de la Colección CAM de Artes Plásticas con un proyecto muy conforme a su interés de unir el más puro diseño gráfico con el expresionismo pictórico: "Blood Bubble", que partía de la búsqueda de la esencia de las personalidades colectivas o personales que se hayan en los logotipos y emblemas. La cuantía de esta beca le permitió trasladarse a la gran manzana durante un tiempo, una experiencia diferente de la que regresó con una buena cantidad de obra, parte de la cual podemos ver en esta exposición en In Fraganti.


En la obra de Ayela siempre encontramos dos tendencias estilísticas que se contraponen constantemente, la mancha incierta emocional y expresiva que muestra el lado más salvaje, inocente e impulsivo del artista -quizás el puro artista antes de ser "educado"- y la pureza de las líneas de los dibujos y piezas que provienen de la parte más serena y racional de este creador que evidencia en ellas su formación como diseñador gráfico -quizás el artista una vez pasado por el cepillo de la educación formal. En ambas tendencias, el color es básico. La utilización de azules, negros, rosas... colores muchas veces de tonalidades pasteles, utilizados siempre simbólicamente con una carga emocional o racional según el caso. El juego de palabras (muchas en inglés), el sentido del humor, el doble sentido se suceden a lo largo de los distintos periodos de la trayectoría de Ayela. Siempre fiel también a la investigación, especialmente con la utilización de papel como soporte y el uso de grandes rotuladores de color... pero nunca quieto, probando y probando técnicas novedosas, nuevos tipos de papel, mezcla de técnicas...

Ayela es un artista comprometido, que no sólo se ha quedado en la acera del creador plástico - abordando también con gran éxito otros terrenos como la escultura y la instalación, pero que en esta muestra no están presentes- sino que ha probado a comisariar exposiciones, impartir conferencias y cursos e incluso escribir sobre pintura, demostrando su solidez profesional y vocacional.


Se puede ver más de Aurelio Ayela en el facebook de In Fraganti.

Natalia Molinos
Vocal de AVCA
Comisaria ed InFraganti




miércoles, 11 de septiembre de 2013

SOFIA BELLANGE: IDENTIDAD, PASADO Y PRESENTE EN “AL DESCUBIERTO” DEL FREAKS ARTS BAR



¿Qué somos los seres humanos sin memoria? Poca cosa. Nuestra identidad se forma como un puzzle desde sus inicios a base de relacionarnos con personas, lugares y cosas que conforman un conjunto de recuerdos. Esos recuerdos, esas historias pasadas son las que van complementando poco a poco en nuestro interior el mapa actual de nuestra personalidad que, sin duda, también marca nuestro futuro.

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El uso de la fotografía para poder recoger instantáneas de momentos vividos, tiene mucho que ver con el miedo a olvidar lo vivido, a querer inmortalizar cada instante de nuestra vida –el teléfono móvil se ha convertido en la herramienta básica en la actualidad para alcanzar este estado de captura constante de “momentos”-, a aferrarse a instantes que van a ser pasado en breve, quizás rápidamente olvidado… Cuantas veces hemos encontrado al revolver en viejas fotografías personas, lugares y momentos que ya prácticamente habíamos borrado de nuestra memoria. Como en “Blade Runner” cuando Rachel se aferra a sus fotografías para convencerse de que es humana, nosotros nos agarramos a nuestros recuerdos para convencernos de quienes somos realmente, qué significamos, de dónde venimos, a dónde vamos…

Sofia Bellange nos acerca su propuesta fotográfica basada en la búsqueda de la identidad personal a través del recuerdo y la evocación. Mezclando técnicas analógicas y digitales consigue imágenes que parecen del pasado, es su “passé compossé”: todo lo que aparece en las fotografías de la exposición parece real, pero ¿lo es?, personas, lugares, ¿pertenecen realmente al pasado de Sofia? No importa, lo parece. ¿Dónde comienza la realidad y donde la ficción? Es un juego en el que todos estamos incluidos y que nos hace pensar sobre como asimilamos las experiencias de la vida para convertirnos en la persona que somos.

Algo muy femenino evocan estas miradas a fotografías antiguas. Tradicionalmente han sido las mujeres de la familia las depositarias de la memoria ancestral del clan, ya sea a través del recuerdo de antepasados, de la historia de la familia, o de los mementos. Las mujeres sobretodo han sido las que recopilaban las fotografías, las que las colocaban con cuidado en álbumes, las que anotaban por detrás fechas, nombres, lugares... Las invasiones tecnológicas actuales hacen iguales a hombres y mujeres en esta afición a crear constantes imágenes con una difusión aún más rápida, pero ¿se ha perdido ese vínculo femenino a la responsabilidad de salvaguardar la memoria? no lo creo... esa función aún está mayoritariamente depositada en mujeres, como Bellange.

Sofía Bellange nació el 7 de marzo de 1987 en Namur (Bélgica), interesándose por la fotografía desde muy joven, ya con 13 años. En 2007 inició sus estudios artísticos en L’École National Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (Bruselas), si bien los abandonó en el transcurso de 2009, cuando fijó su residencia en Alicante. Desde entonces, ha realizado diversas exposiciones colectivas e individuales en las ciudades de Namur, Bruselas, Lieja, Amsterdam, Madrid y Alicante.

“Al descubierto” es el proyecto de exposiciones del Freaks Arts Bar (Calle Carmen, 9, Alicante), que pretende sacar a la luz pública tanto a jóvenes promesas, como artistas que trabajan fuera de los circuitos habituales, o facetas desconocidas de estos creadores, así como impulsar el coleccionismo de arte actual.

La exposición de Sofía Bellange puede visitarse hasta el 4 de octubre, de domingo a jueves de 19 a 0:00 y los viernes y sábados de 20:00 a 02:00.


Natalia Molinos Navarro
Responsable de “Al descubierto” del Freaks Arts Bar y
Vocal de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte (AVCA)

miércoles, 21 de agosto de 2013

"3t" tres artistas del collage en el Freaks Arts Bar





Ricardo Tomás junto a una de sus más emblemáticas obras
 


Sr. García junto a su serie "Ciencias" entre la que se puede ver también la pieza "Policía montada" (con fondo rojo). Sr. García es, además, fundador de la Asociación de Collagistas de Madrid.


"El quinto metatarsiano" de Ricardo Tomás


"Abastos" de Sr. García

"Legs Inside", "Cobra sobre papel" y "Sueños Húmedos" de Erre Gálvez
Quedan escasas dos semanas para pasarse por el Freaks Arts Bar y disfrutar de esta muestra de collages. Una técnica inventada a principios del siglo XX por Picasso, en pleno desarrollo del cubismo e implementada más tarde por los dadaístas alemanes de Berlín a través del fotomontaje. Con recortes casi siempre de revistas antiguas estos tres artistas nos muestran un universo inventado, a veces inquietante (como los seres mitad molusco o anfibio- mitad personas de Ricardo Tomás en la serie “La marea”, que también encontramos aunque con diferente tratamiento en obras de “Abasto” de Sr. García, éste siempre con sus referencias literarias no exentas de poesía e ironía, otras veces muy sugerentes, como las sonrientes bocas de Ricardo Tomás en “Chatas” y otras piezas, y en otras ocasiones con alusiones a la realidad más tangible y a un repaso a los iconos culturales, fusionando no sólo imágenes impresas, sino telas, palabras, y elementos pictóricos como en las piezas de Erre Gálvez.

En cada uno de los tres artistas de la muestra, encontramos una pasión en común que les ha llevado a “excavar” como arqueólogos en revistas y periódicos antiguos y modernos –algo que también denota su admiración por el diseño gráfico-, buscando las imágenes que les hicieran soñar y recrear de nuevo otras.

Sr. García es el menos convencional de los tres a la hora de presentar su trabajo. No enmarca las piezas, sino que las exhibe al aire o en bolsas para guardar alimentos, como en su serie “Abastos”, en clara alusión a la temática utilizada. Trabaja con recortes bien pequeños, en los que mide con gran equilibrio los colores y composiciones, añadiendo en casi todas las ocasiones frases o palabras que ayudan en la comprensión de la pieza y que siempre tienen un toque poético y/o humorístico que son especialmente interesantes cuando se analizan en el conjunto de la serie en la que se insertan. Referencias al mundo de la publicidad de ayer, hoy y siempre, del cine, son evidentes en su obra.

Ricardo Tomás, siempre muy estético, presenta series de tonalidades muy sobrias, con remembranzas del pasado, de cuentos y leyendas antiguos, en los que aparecen seres imposibles, criaturas a medio camino entre el mar y la tierra, como en su serie “La Marea”, o nos hace pensar en lo que se esconde tras la sonrisa misteriosa de mujeres hermosas como en “Chatas”… o produce una imagen icónica y dramática introduciendo una auténtica tijera sobre una tentadora boca, imágenes que impactan visualmente y que son difíciles de borrar de la memoria.

Erre Gálvez parte de imágenes más contemporáneas recortadas de revistas y fotografías en color en las que rehace iconos del arte como la Dama del Armiño, en su obra “La dama” o juega con estos mitos “pops” actuales como Angelina Jolie en “Conversaciones”. En sus collages introduce elementos gráficos o pictóricos que producen en ocasiones sensaciones textiles, en otras, referencias a la pintura de líneas geométricas, e incluso palabras o letras, siempre con algo de provocación, consiguiendo en ocasiones inquietantes imágenes y siempre consiguiendo atrapar la atención del espectador.

Natalia Molinos Navarro

miércoles, 7 de agosto de 2013

Descubriendo artistas... Maribel Nazco





Aproximádamente hace un año visité un estupendo Museo, el TEA (Tenerife Espacio de las Artes), en pleno corazón de Santa Cruz de Tenerife, sorprendiéndome no sólo del espacio artístico del que dispone, una construcción de 22.062 m2 construidos obra de los arquitectos suizos Jacques Herzog & Pierre de Meuron y del canario Virgilio Gutiérrez inaugurada en 2008, sino de su acertada programación de exposiciones en las que combinan perfectamente arte internacional con artistas de calidad originarios o que viven en estas Afortunadas Islas y así fue conocí la obra de Maribel Nazco, concretamente sus “Metales”. Sus “metales” son piezas realizadas por esta creadora originaria de la isla de La Palma entre 1968 y 1983.

En ellas la autora realiza toda una investigación estética pero también científica. Caminando por las playas, por el puerto, sus ojos quedan atrapados por la belleza del metal corroído por el mar, el sol y la sal: irisaciones, roturas, excrecencias… Las antaño brillantes y pulidas superficies metálicas se han convertido en otro objeto si cabe más bello. Nazco empieza creando piezas a partir de estos metales encontrados, en pleno informalismo español, pero su interés por este material se va profundizando y haciendo más técnico. Comienza a trabajar el metal utilizando medios químicos, trabaja con ácidos, arañando o puliendo las superficies frotando y frotando pacientemente hasta dotar a sus piezas de una sensualidad inesperada a través de sombras y volúmenes. Es increíble como estas piezas abstractas evocan las redondeces del cuerpo femenino, e incluso el erotismo de los cuerpos encontrados. Se trata de erotismo plástico: visual y táctil puesto que estas obras provocan el deseo de ser acariciadas por el espectador, no sólo por la atracción visual de la imagen, sino por la textura con que la artista resuelve cada pieza, una textura que no puede ser apreciada completamente si no se palpa con placer la superficie suavemente alisada de muchas de éstas…

Lo más sorprendente y loable de Nazco fue su decisión de dar por terminado este periodo creativo cuando notó que era ampliamente aceptado por el público, cuando ya no suponían una “molestia” para el espectador. Ese carácter indómito preocupado por la provocación en la audiencia, por la motivación del visitante hizo que Nazco se dedicara durante años más a su carrera como docente en La Laguna, donde ha desarrollado investigaciones sobre pigmentos a partir de materiales originarios de las islas junto a especialistas de otras áreas. Actualmente, Nazco sigue trabajando con los metales y también con el dibujo, encontrándose en plena preparación de un nuevo proyecto creativo.


Natalia Molinos





viernes, 18 de enero de 2013

EVENTOS CULTURALES - "Sentidos y Sentimientos" en San Juan de Alicante







"Sentidos y Sentimientos", un espectáculo diferente. Violín, guitarra y música para disfrutar

El 2 de febrero, a las 20:30 en el Auditorio de la Casa de Cultura de San Juan de Alicante la Compañía de Danza y Música SEN SEN PRODUCCIONES presenta su espectáculo "Sentidos y Sentimientos". Ellos lo describen como "Una comedia musical sin palabras, una historia de amor entre una bailarina y un violinista, un diálogo entre la danza y el violín. Entre risas y sonrisas éste espectáculo produce cosquillas en las emociones y es una alegre diversión para todos los públicos". La entrada es libre.

Sen Sen Producciones está compuesto por la bailarina Sayil Johansson, el violinista
Gabriel Jiménez Olariaga y el guitarrista Asbjörn Johansson. Todos ellos llevaban con éxito su propia carrera artística de forma individual hasta que en 2011 decidieron unirse para ofrecer al público unos espectáculos frescos y dinámicos, en los que realizan un recorrido musical desde la música clásica al tango, mostrando una poética historia interpretada en baile que no deja indiferente.


Aquí podéis ver un video que muestra una parte de sus actuaciones:
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=4ZZFX2Qq2wI

miércoles, 16 de enero de 2013

ARTE DEBAJO DE LA TIERRA

Buildings that Might Fall, Lorenzo Belenguer




ART OF ANGEL- exposición en el metro londinense



Nuestro compatriota, Lorenzo Belenguer, es uno de los 24 artistas seleccionados para exponer la imagen de una de sus obras en la estación "Angel" del metro londinense.

 
El metro de Londres cumple 150 años de existencia y ha montado toda una serie de eventos culturales para homenajear esta onomástica, lo que supone todo un plus para el viajero normal de este transporte y una nueva manera de exhibir arte y que llegue a gran cantidad de espectadores. Durante dos semanas del mes de enero, la estación "Angel" expone las imágenes de 24 obras de sendos artistas internacionales. Una buena representación del panorama plástico actual, desde una figuración de corte más tradicional a la obra minimal de Lorenzo Belenguer, basada en objetos metálicos varios, como su "Object V".


Object V de Lorenzo Belenguer,
que se puede ver estos días en el metro londinense

Esta exhibición se ha hecho coincidir en el tiempo con la Feria de Arte de Londres (del 16 al 20 de enero), que en este año trasciende su 25ª edición. Paralelamente a la muestra subterránea se realiza una exposición del mismo grupo de artistas en el Candid Arts Trust, un almacén victoriano con más de 6.500 pies de espacio expositivo y que está justo detrás de la estación de Angel.  La entrada es gratuita entre las 10 y las 18 horas, viernes y sábados.

Lorenzo Belenguer ha desarrollado su carrera artística en Inglaterra, dedicándose en ocasiones también a regentar eventos como galerista o generador de ideas (con Testimonies, recogió historias y apreciaciones de los moradores londinense acerca de un evento histórico que para muchos quedará como un gran acontecimiento también en su propia vida: las Olimpiadas 2012 en la ciudad), sin dejar obviamente de producir obras plásticas siempre con una base minimal, dibujos y esculturas, estas últimas generadas muchas veces a partir de objetos metálicos desechados y encontrados.


An Orderly Chaos, Lorenzo Belenguer

El metro de Londres tiene previstas más exposiciones en sus estaciones a lo largo de todo este año, dentro del programa "Art Below". La siguiente está planificada para febrero, coincidiendo con eventos como la entrega de los importantes premios cinematográficos BAFTA británicos o la London Fashion Week y será en la Underground Gallery, en la estación metropolitana de Charing Cross, en pleno centro de Londres, muy cerquita de Trafalgar Square y la National Gallery.

Más información en: http://www.artbelow.org.uk/

Natalia Molinos

sábado, 12 de enero de 2013

“IN FRAGANTI”, un proyecto curatorial de arte contemporáneo en colaboración con Traza.

“IN FRAGANTI”, un proyecto curatorial de arte contemporáneo en colaboración con Traza.
 

Aparte de contaros exposiciones y artistas que me parecen interesantes me gustaría que conociérais algunas de mis iniciativas artísticas, como “In fraganti”  un proyecto curatorial de exposiciones temporales de arte contemporáneo. "In Fraganti" recoge la idea de tomar momentos de trabajo de los artistas en exhibición, ya sean los más actuales u otros no tan recientes, pero que impliquen su dedicación continua a su vocación plástica. La empresa de construcción Traza de Alicante, que tradicionalmente ha apoyado diferentes iniciativas culturales y artísticas, ha cedido las tres plantas de su sede social en la calle Canalejas para realizar este proyecto que está en marcha ya desde finales de noviembre. La idea es mostrar arte en un contexto más real, como es este espacio de oficinas, donde el interesado pueda comprobar la interrelación entre las obras contemporáneas y el día a día cotidiano. Al amoldarse a los horarios de oficina y tener, por tanto, un espectro temporal más restringido para la visita de interesados se ha optado por alargar el tiempo de cada exhibición a unos cuatro meses. Es decir, se realizarán al año tres muestras "In Fraganti", en principio colectivas, pero no una colectiva al uso, sino más bien varias miniexposiciones de cada artista presente. No se descarta la realización de alguna muestra individual más amplia de algún artista.

Además, ya se están planificando otros eventos paralelos y complementarios de las exposiciones, que complementen los aspectos plásticos de estas exhibiciones.

Los artistas seleccionados para el proyecto curatorial de arte contemporáneo “In fraganti” son intemporales y ubicuos, en constante evolución, como puede comprobarse en esta primera muestra del proyecto, donde se presentan Elio Rodríguez, Susana Guerrero y Juan Fuster. Elio Rodríguez es un artista de origen cubano actualmente residente en Elche con una amplia trayectoria de éxito internacional. Con una interesante vertiente de escultura “blanda” (en tela rellena) que le ha valido formar parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas, en este espacio nos muestra sobre todo su destreza con la obra gráfica. El cartel litográfico es una aportación de calidad al arte y Rodríguez demuestra haber sido digno alumno de esta escuela, pero siempre aportando su especial toque humorístico, con su toque de ironía critica-social y mucho incorporado de su propia biografía personal.

Elio Rodríguez, Serie "Tauromaquías", grabados al aguafuerte, toda la herencia goyesca interpretada a partir de sus propias vivencias.


Susana Guerrero presenta en esta exhibición obras desde 2006 al presente, como su impresionante tríptico Coyolxauhqui. Doctora en Bellas Artes, Profesora de Técnicas de Reproducción Gráfica en la Universidad Miguel Hernández, su arte está comprometido con la búsqueda de lo sagrado y de lo íntimo, encontrando en sus estancias en México la inspiración para crear a partir de imágenes ancestrales y mitos, relacionando el mundo de lo sagrado con su propia vivencia como mujer.
Susana Guerrero, Cabeza de Jaguar de latón dorado, P/A.

Fuster nos ofrece obras de varios periodos hasta la actualidad. Aunque se define como pintor-pintor ha ido trocando pinceles por materiales desde los ensamblajes con madera, a los de cartón pluma, o plásticos, hasta lograr resultados espaciales como en “Juegos de jóvenes espartanos” y sus recientísimos “Coroinflables”, en los que la pintura cobra volumen tridimensional. Como denominador común: la búsqueda de la composición perfecta del juego de equilibrios.
Juan Fuster, Ensamblaje con cartón pluma.

Tres artistas con trayectoria nacional e internacional que presentan una interesante propuesta artística y estética que puede satisfacer espiritualmente y que, además, es una inversión segura. Se pueden ver hasta finales de marzo en  Traza C/ Canalejas, 13 de Alicante. Si queréis más información la tenéis en el facebook de In fraganti https://www.facebook.com/media/set/?set=a.532115230134510.127512.532107943468572&type=3#!/infragantiarteentraza


PROTOZOOS Y OTRAS ESPECIES” exposición de pintura de Maxi Velloso en el Hostal de Sal

“PROTOZOOS Y OTRAS ESPECIES” exposición de pintura de Maxi Velloso en el Hostal de Sal
 

La exposición se podrá ver hasta el fin del mes de enero de 2013, en la calle Carmen, 9 de Alicante (Casco antiguo).

Maxi Velloso nos presenta en esta nueva exposición, una evolución pictórica desde sus personajes oníricos que planteaban preguntas metafísicas y que convivían con extraños seres amorfos a una pintura más abstracta pero en la que encontramos la conexión con las gelatinosas formas de antaño, trabajados los temas más pictóricamente, menos dibujados y en donde la textura, la materia: marmolinas, tierras u otros componentes, son parte importante de las telas.

Si en la etapa anterior de este artista la influencia del “cartoon” y el arte pop era notable, tanto por el estilo de los personajes, como por los vivos colores utilizados, en el periodo actual la herencia del informalismo español en el uso de tonalidades muy sobrias con gran presencia de rojos, negros, blancos y ocres, y la incorporación de materia. Cambios que se han debido a la observación de trayectorias plásticas como las de la informalista Juana Francés, y otros artistas de este periodo o de pintores que tomaron el relevo de esa pintura de tradición española, como Ciria, que colocan a Velloso, un artista polifacético, en una nueva línea de investigación.

El Flow Bar, es un espacio alternativo, gestionado por Overflow en temas de cultura. Esta exposición ha sido fruto de la colaboración entre Excéntricos Comunicación y Gestión Cultural y Overflow. Durante la muestra se llevarán a cabo varios eventos, como un mercadillo artesanal el día 4 y otras actividades de las que se irá informando.

                   

                


Natalia Molinos
Asociación Valenciana de Críticos de Arte

NEVADA EN EL INTERIOR DEL CENTRO MUNICIPAL DE LAS ARTES.Una instalación de Aurelio Ayela




Una nevada imposible, un ser único y ya perdido. Un poético homenaje al desaparecido “Copito de Nieve” realizado por el artista Aurelio Ayela (Alicante, 1970). Los quince metros de altura del edificio del Centro Municipal de las Artes han quedado invadidos por una nevada de “copitos de nieve” durante estas Navidades y así se quedarán hasta finales de este mes de enero. Se trata de más de quinientos ejemplares de pequeños peluches blancos que representan a este emblemático gorila, ya tristemente desaparecido, pero que ha vuelto en estas fechas desde las alturas infinitas en forma de copiosa nevada. Entre tantos ejemplares no todos son iguales, cuarenta y alguno de ellos tienen una peculiaridad que les diferencia de los otros: un guiño, gafitas, una sonrisa diferente. Le corresponde al visitante buscar al simio discrepante.

No es nueva esta instalación, sino que ha ido variando en su presentación dependiendo obviamente del espacio. Ayela la presentó originalmente hace unos años en el Centro 14, llevándose el primer premio. En aquel entonces se componía todavía de más ejemplares, los pequeños copitos caían de una nube y el gorila protagonista aún no había fallecido. Hace menos tiempo -la Navidad pasada-, en una colectiva en la Galería Parking de Alicante, se presentó con dimensiones más reducidas, los gorilitas caían en una caja con el matasellos “Made In Heaven”. En la actual, los monos forman una impresionante y auténtica cortina de copitos de nieve bajando desde el cielo. Basta soplar un poco desde uno de los descansillos de las plantas del edificio para que los copitos bailen, giren y podamos ver si los rostros son iguales o hemos encontrado un “gazapo”.

En el transcurso de estos años no ha cambiado el espíritu tierno y navideño de esta instalación, incluso ha ganado en profundidad con la “marcha” del Copito original al transformarse en todo un homenaje a un ser tan especial, pero sobre todo, esta instalación muestra el espíritu creativo de Ayela - que actualmente está exponiendo su obra pictórica en Nueva York- en su versión más lúdica y naif. Y es que desde sus orígenes en los años setenta, las instalaciones artísticas ofrecen un contacto fresco con el arte actual. Su característica más notable es el eclecticismo que mantienen tanto en los materiales utilizados como en los objetivos a lograr, lo que amplía las posibilidades creativas y plásticas de estas presentaciones que nos ofrecen ideas, filosofías, o sueños, haciéndolas tangibles, como en esta ocasión. Por un lado, una nevada en el interior de un edificio, algo en principio imposible, por otro, unos copos de nieve que no son lo esperado, sino un juego de lenguajes con pequeños primates blancos. Depende completamente del espectador el tener la oportunidad de interactuar con ella, de cuánto se deje éste transportar por la magia desplegada ante sus ojos –y sus manos- y que es una invitación, no ya a disfrutar de una obra, si no a formar parte de la misma, haciendo algo tan sencillo como dejarse llevar por el juego ofrecido por el artista.

Natalia Molinos
Asociación Valenciana de Críticos de Arte

Aquí tenéis un pequeño video que hice mientras el artista procedía a la instalación de los quinientos monitos:

lunes, 7 de enero de 2013

Descubriendo artistas por internet -Instalaciones con cinta adhesiva de Monika Grzymala

Interesantísimo artículo sobre esta artista polaca que crea potentísimas instalaciones con elementos tan inhabituales como la cinta adhesiva y que he conocido a través de la página www. arte.archivoros.com Instalaciones de Monika Grzymala con cinta adhesiva

monika grzymala en Sumarria Lunn Londres Instalaciones de Monika Grzymala con cinta adhesiva